Sebastian Fagerlunds neue schwedischsprachige Oper «Morgonstjärnan» (Der Morgenstern), die auf Karl Ove Knausgaards gleichnamigem Roman basiert, bewegt sich in jenem seltenen Bereich, in dem Literatur, Musik und visuelles Spektakel zusammenkommen, um etwas wirklich Originelles zu schaffen – beunruhigend und schön zugleich.

Gunilla Hemming hat in ihrem Libretto Knausgaards 666 Seiten umfassende, labyrinthische Erzählung nicht so sehr adaptiert, sondern vielmehr deren Essenz in eine Meditation über Sterblichkeit und Transzendenz verdichtet und das Libretto auf etwas mehr als 30 Seiten komprimiert. Die Geschichte, die der Romanautor selbst als „Chor von Stimmen” bezeichnet hat, handelt von einem Moment im Leben von zehn Figuren in der norwegischen Stadt Bergen. Sie alle führen ein scheinbar banales Leben, aber jeder von ihnen ist mit privaten Krisen konfrontiert: berufliche Enttäuschungen, Gesundheitsprobleme, Glaubenskrisen, Rückzug in Glücksspiel oder Alkoholismus. Und dann beginnen seltsame Dinge zu geschehen, parallel zum Erscheinen eines hellen Sterns. Die Figuren beginnen, ihr Leben zu hinterfragen und suchen nach einem Sinn in ihrer alltäglichen Realität. Dies steht im Einklang mit einem breiteren kulturellen Zeitgeist – einer kollektiven Desorientierung, die uns letztlich fragen lässt, was mit uns geschieht oder geschehen wird.

Fagerlunds Partitur ist eine Studie in Zurückhaltung. Die Musik entfaltet sich mit melodiöser Leichtigkeit, oft traumhaft, gelegentlich geheimnisvoll verschleiert. Sie ist einfühlsam, tief bewegend und sogar erhebend – ermutigend in ihrem Wunsch, einen veränderten Zustand zu erreichen, der die Bewusstseinsstrom-Handlung widerspiegelt. Während eines Großteils der Oper widersteht der Komponist dem opernhaften Drang nach gesteigertem Drama und lässt stattdessen seine zehn Protagonisten mit dem gleichen alltäglichen Rhythmus, den Knausgaard im Roman einfängt, durch ihre ineinander verwobenen Erzählungen treiben. Erst in den letzten Augenblicken entfesselt Fagerlund ein dramatisches Crescendo – einen wogenden, mehrdeutigen Höhepunkt, der uns zwischen Apokalypse und Erneuerung schweben lässt. Ist dies das Ende der Welt oder die Geburt von etwas Neuem? Eine eindeutige Antwort wird nicht gegeben. Aber das Instrument, das ausgewählt wurde, um dem Morgenstern seine Stimme zu geben, ist vielsagend: ein „Waterphone“ – ein mit einem Bogen gespieltes Schlaginstrument, das einen ätherischen, hohen Klang erzeugt, der sich mit dem oberen Register der Streicher vermischt. Die so geschaffene Klanglandschaft tendiert leise, aber unmissverständlich zur Hoffnung.

Es ist offensichtlich, dass der Regisseur Thomas de Mallet Burgess intensiv mit jedem der zehn Protagonisten gearbeitet hat, um ihnen zu helfen, sich in die psychologische Realität ihrer Figuren hineinzuversetzen. Wie er bemerkt, „ist das gleichzeitige Singen und Schauspielern ein äußerst komplexer Mechanismus“ – und die Darsteller meistern diese Herausforderung mit Überzeugung.

Das Bühnenbild von Leslie Travers erreicht eine visuelle Poesie, die der atmosphärischen Subtilität der Partitur in nichts nachsteht. Travers lässt die mit Felsbrocken übersäten Wälder von Bergen wiederaufleben, allerdings mit einer verwirrenden Umkehrung: Ausgewachsene Bäume hängen von den Dachsparren herab, ihre Wurzeln ragen in den Himmel, als würden wir diese Welt aus einer ganz anderen Dimension betrachten. Es handelt sich nicht um den dunklen, unheimlichen Wald aus Märchen, sondern um etwas Kontemplativeres, sogar Tröstliches. Um einen inneren, skulpturalen, inselartigen Raum herum teilt ein kreisförmiges Förderband den größten Felsbrocken in zwei Hälften – ein Element, das angesichts der zentralen Bedeutung der Zeit für die Themen des Werks überzeugend als Zifferblatt fungiert. Auf diesem sich bewegenden Band vollziehen die Protagonisten ihre täglichen Routinen, gefangen in mechanischer Wiederholung, während sich über ihnen himmlische Geheimnisse entfalten. Dieses Element funktioniert sowohl wörtlich – als Laufband des modernen Daseins – als auch metaphorisch und erinnert an die zyklische Natur menschlichen Strebens.

Da die Geschichte in der Aktualität spielt, hat sich Kostümdesignerin Tracy Grant Lord für eine informelle Sportbekleidungsästhetik entschieden, mit bewussten Ausnahmen: eine Mensch-Vogel-Figur mit einer enormen Flügelspannweite, die einen liminalen Zwischenraum bewohnt; eine Erda-ähnliche Frau, die in einer weißen Toga gekleidet Prophezeiungen verkündet. Und drittens, am auffälligsten, eine Gruppe von Kindern, die während der gesamten Oper auftauchen und als eine Art griechischer Chor fungieren, neu interpretiert für unsere unsichere Zeit. Sie hinterfragen, sie beobachten und sie verkörpern Unschuld – gekleidet in weiße Kostüme, geschmückt mit zarten, Babyreh-ähnlichen Kopfbedeckungen, Wesen zwischen dem Irdischen und dem Ätherischen, Zeugen einer Verwandlung, die sie noch nicht verstehen können. In ihrer Gegenwart spüren wir den langsamen Zerfall der zivilisierten, rationalen Welt, die wir zu kennen glaubten.

Der Bassbariton Johan Reuter als verbitterter Journalist Jostein brachte eine reichhaltige stimmliche Stabilität in eine Rolle, die ihn über den gesamten Umfang seiner Stimme herausforderte. Seine klare Artikulation und seine engagierte Präsenz verliehen seiner Figur dramatische Tiefe. Jenny Carlstedt verlieh der Rolle der Pastorin Kathrine eine üppige lyrische Mezzostimme, sang mit entschlossener Authentizität, strahlte Wärme aus und zögerte nicht, sich der klanglichen Eleganz hinzugeben, um die Qualen zu vermitteln, die sie empfindet, wenn sie ihren Glauben in Frage stellt. Helena Juntunen verlieh der Musik der Krankenschwester Solveig eine außergewöhnliche Strahlkraft, dank ihrer herrlich lebendigen Sopranstimme und der Art und Weise, wie sie den Text ein breites Spektrum an Klangfarben entfalten ließ. Der Bariton Tommi Hakala übernahm die Rolle des geschiedenen Vaters Egil, obwohl ein Großteil seiner Rolle unangenehm hoch geschrieben war, sang er die Anforderungen beeindruckend frei und klar. Arne, der Ehemann von Tove, wurde von Niklas Björling Rygert mit einer kräftigen, sicheren Tenorstimme und müheloser Breite gesungen, während Minna-Leena Lahti die psychisch kranke Tove mit einem warmen Sopran sang, der sich wunderbar mit den für ihre Rolle komponierten Bläsern und der Harfe vermischte.

Mari Palo verkörperte Turid, eine Sozialarbeiterin in einer psychiatrischen Pflegeeinrichtung, mit einer seidigen Sopranstimme, doch wenn es die Rolle erforderte, war sie ebenso bereit, alle Zurückhaltung aufzugeben, besonders wenn sie mit dem Schrecken konfrontiert wurde, einen Patienten zu verlieren. Die Sopranistin Iris Candelaria war die exzentrische Künstlerin mit einer angenehmen hohen Sopranstimme, während Nicholas Söderlund Kathrines eifersüchtigen Ehemann Gaute mit einer kraftvollen Baritonstimme sang. Jere Hölttas lebhafter, tragender Tenor war als Ole, der depressive Sohn von Turid und Jostein, eine echte Bereicherung für das Ensemble. Der Bass Janne Sivho interpretierte mit seiner bemerkenswert schönen und volltönenden Stimme die Rolle des Patienten Ramsvik, der Solveig wiedererkennt und liebt. Fagerlund hat die beiden Rollen der kleinen Kinder Ingvild und Viktor mit gesprochenen Kinderdarstellern besetzt, die von Martta Ainali und Otava Merikanto mit bewundernswerter Selbstsicherheit gespielt wurden. Die übrigen Rollen in dieser umfangreichen Besetzung wurden alle mit Gelassenheit dargeboten.

Fagerlunds Partitur wurde von den Musikern des Orchesters unter der Leitung von Hannu Lintu getreu umgesetzt. Lintu erwies sich als sicherer Verwalter dieser neuen Partitur, und seine Musiker reagierten mit bemerkenswerter Geschlossenheit auf ihn, wobei die Streicher, Holzbläser und Blechbläser die vielfältigen Harmonien mit Leichtigkeit meisterten. Der von Mauro Fabbri vorbereitete Chor fügte Dynamik, dramatische Präsenz und Tiefe hinzu.

In der Schlussszene bleibt eine große Digitaluhr, die zuvor defekte Ziffern angezeigt hatte, nun lesbar bei 11:59 stehen. Die Botschaft könnte kaum deutlicher sein: Die letzte Minute ist gekommen. Es gibt hier keine einzige, verbindliche Moral. Vielmehr laden Fagerlund und sein Kreativteam das Publikum in eine Welt ein, in der jeder seine eigenen Schlussfolgerungen ziehen muss – über das eigene Leben, über die Umwelt, über die tieferen Fragen nach dem Sinn, mit denen die Menschheit seit jeher konfrontiert ist und auch weiterhin konfrontiert sein wird.

Man kann nur hoffen, dass diese Oper ihren Weg auf viele weitere Bühnen weltweit findet. Ihre Themen sind universell anwendbar und verständlich. «Der Morgenstern» ist bewegend, ergreifend und regt wirklich zum Nachdenken an – eine seltene Leistung in der zeitgenössischen Oper.

«Morgonstjärnan» (Der Morgenstern) – Sebastian Fagerlund
Suomen Kansallisooppera (Finnische Nationaloper) · Opernhaus / Hauptbühne, Helsinki

Kritik der Uraufführung am 30. Januar 
Termine: 4./6./10./12./14./19./21./24./26. Februar; 4./6./10. März